Arte Postal

A Arte Postal surgiu nos anos 60, em Nova York, Estados Unidos, quando o mundo estava divido em capitalismo e socialismo. Neste período, muitos países eram controlados por ditadores, que proibiam a liberdade de expressão. Teve por fundador Ray Johnson, que por irreverência, costumava escrever do lado de fora do envelope, assim a carta perdia sua privacidade. Outros artistas passaram a customizar envelopes com colagens, fotografias, escritas ou pinturas para enviar suas obras, ou ainda a postarem envelopes vazios. Neste período, os artistas plásticos trocaram correspondências entre si através dos Correios.

Esta arte foi uma forma de correspondência muito utilizada durante a Guerra Fria, quando no Brasil, acontecia a Ditadura Militar, período de muita censura. Foi uma forma dos artistas se comunicarem ludibriando as autoridades. Em 1975, no Estado de Pernambuco, aconteceu a I Exposição Internacional de Arte Postal, organizada pelo artista, mas foi fechada pela censura por apresentar um trabalho criticando o Regime Militar, quando não aconteciam eleições.

Na década de 80, essa arte ficou adormecida, retornando nos anos 90, de outra forma: através de e-mails e de sistemas de compartilhamento de opiniões na internet.

A característica principal desta arte é a liberdade de expressão. O movimento está ligado às vanguardas instauradas no século XX. Os artistas futuristas e dadaísta foram os primeiros a usarem cartões postais de forma artística. Dentre eles, destaca-se Marcel Duchamp, que acreditava que qualquer pessoa poderia intervir numa criação artísticas. É isso que a arte postal faz, ela permite a participação de várias pessoas. Kurt Schwitters introduziu a idéia da não comercialização de obras de arte. O surrealismo colabora com essa arte através do coletivismo e do intercâmbio quando usa colagem de carimbos e selos em suas obras.

Desses elementos dos anos 60 e 70 surgem criações artísticas que privilegiam a arte como um produto de comunicação e produção coletiva. Os artistas são co-autores e a obra de arte é modificada, privilegiando o intercâmbio político e cultural. É uma arte que foi usada para protesto político.

Atualmente nas redes são virtuais, todos podem interagir em tempo real, quebrando barreiras físicas, espaciais e tecnológicas. Apesar de ser revolucionária, a Arte Postal é  quase desconhecida.

Cores primárias e secundárias

Composição a partir de formas geométricas, utilizando cores primárias e secundárias:

Balé de Repetório

Balé O lago dos cisnes

            A palavra repertório originou-se do latim “repertorium”. Segundo o Dicionário Aurélio, significa “um conjunto das obras interpretadas por uma companhia teatral, por um ator, por uma orquestra, por um solista. Esta envolvido com uma história, como se fosse uma peça teatral, só que não tem falas e a encenação é toda feita através de gestos, danças e música, isto é, um conjunto de coreografias contando uma história usando a dança, a música e a mímica.

            Assim como a literatura, o cinema, a música  e o teatro, a dança também tem um caráter narrativo. Os principais elementos narrativos encontrados são:  personagens, espaço, tempo e enredo, porém não há um narrador. A história é contada a partir da performance de cada bailarino ao longo do espetáculo. Os bailarinos principais dançam solos, e juntamente com o corpo de baile, dançam a coreografia em grupo, em um conjunto de passos que deve ser seguido minuciosamente, de maneira a interpretar a história.

            Os balés de repertório foram montados e encenados durante o século XIX, e até hoje são obras montadas e remontadas com as mesmas músicas e suas coreografias de origem, baseados no estilo da escola que vai apresentá-los. Seguem tradicionalmente sua criação. No palco se apresentam os grandes bailarinos. São considerados como patrimônio da Humanidade

            Quem faz ou já fez parte do mundo do balé sabe a emoção que é dançar. Esta é a lista de alguns dos mais  famosos balés: O Quebra Nozes, O Lago dos Cisnes, Giselle, Copéllia, Pássaro de Fogo, Esmeralda, Dom Quixote, La Fille Mal Gardée, A Bela Adormecida, La Sylphide, La Bayadère, Sylvia, Paquita, Chamas de Paris, Talismã, O corsário, a filha do Faraó, Fairy Dol, Petrouchka

            Os principais elementos presentes em um balé de repertório são: figurino, cenário, música, corpo de baile e solistas. Alguns dos balés de repertório que foram e ainda são destaque pela técnica, pela perfeição, originalidade, verdadeiras obras primas, que garantem absoluto sucesso, e desde a estréia os teatros ficam lotados. São adaptações de obras literárias, musicais com integração perfeita entre a música e os movimentos da dança. Balés que impressionam os críticos, que tiveram ensaios muito demorados e em conseqüência, não só prendem a atenção do público, mas o deixam extasiado. São danças clássicas e folclóricas que narram acontecimentos que marcaram a sociedade: desigualdades sociais, lendas, romances, disputas, tragédias, triângulos amorosos, cujas personagens são princesas com roupas esvoaçantes, camponesas belíssimas. Nestas danças, o cenário pode ser um castelo luxuoso ou um local cheio de feno.

            A Bela Adormecida, foi uma grande obra que marcou o apogeu da Rússia dos Czares, além de ser o grande sucesso de Tchaikovsky em vida. Obra, em castelos reais, com personagens grandiosos e fantásticos, marca a força da Rússia na época. A produção da obra foi feita em conjunto pelo coreógrafo, figurinista e o compositor, por isso o resultado é uma integração tão perfeita entre os três elementos. São características especiais da obra as variações muito ricas em técnica.

 Balé Dom Quixote

            D. Quixote, a novela de Miguel de Cervantes, inspirou vários balés, ao longo dos tempos. As primeiras versões encenadas não obtiveram sucesso suficiente para se manterem até hoje, mas a versão estreada em 1869, teve um sucesso arrebatador. Essa obra marca a ascensão da Rússia o centro mundial da dança, pois naquela época a Europa Ocidental vivia o mercantilismo, deixando o campo das artes um pouco abandonado. Em conseqüência, os artistas migraram para a Rússia, onde a dança, especialmente, era muito estimulada.

            A Filha do Faraó fez grande sucesso na Rússia pelo menos até cinqüenta anos depois de sua estréia em 1862. Foi retirado dos repertórios por determinação do governo soviético, que, aparentemente, não gostava do poder autocrático dos faraós. A encenação conta com algumas participações pitorescas, como a de um macaco e de uma cobra gigante. Em 2003, A Filha do Faraó foi finalmente levado aos palcos do Ballet Bolshoi 141 anos após sua estréia. A suntuosidade é a principal marca dessa nova produção. Há variadas trocas de cenários, muitíssimos figurantes e um guarda-roupa invejável.

            Nascido no berço da Revolução Francesa, La Fille Mal Gardée, mostra claramente em seu enredo os ideais burgueses que foram estabelecidos desde então. O amor vence no final, permitindo que duas classes se unam, como na revolução. A obra estreou 13 dias antes da tomada da Bastilha, e assim como os ideais de "liberdade, igualdade e fraternidade", prosperou até hoje. Além de ser revolucionário no ponto de vista histórico, La  Fille Mal Gardée inovou, lançando um enredo com personagens reais e não ninfas, fadas e deuses. É o mais antigo dos balés de repertório conhecidos até hoje.

Balé Giselle

            Giselle foi um balé extremamente marcante, por ser um dos mais puros exemplos do Romantismo do século XIX na dança. As características do romantismo mais presentes na obra são a trama, desenvolvida em torno de uma personagem feminina e a aparição de seres sobrenaturais que vêm substituir os Deuses do Olimpo que eram mais utilizados anteriormente. São marcas do Lago dos Cisnes a trama totalmente irreal, construída na época do Romantismo/Realismo.

            O Quebra-Nozes foi um Balé que veio marcar a afirmação da Rússia como o grande centro mundial da dança, ao invés da França. Seu coreógrafo, Lev Ivanov, era russo. Foi a segunda composição de Tchaikóvsky para ballet, e considerada um dos mais perfeitos casamentos entre coreografia e música, pois nenhum dos dois se sobressai em relação ao outro.

            Romeu e Julieta não é um balé, mas sim vários, pois o romance de Shakespeare inspirou mais de cinqüenta produções. As primeiras foram encenadas desde 1785, mas a versão mais conhecida atualmente foi produzida em 1940, quase dois séculos depois. Também muitas músicas foram compostas para representar essa tragédia, e entre elas, versões de compositores famosos como Tchaikovsky e Berlioz.

            La Sylphide foi uma obra que inovou a dança na Europa Ocidental. Na época do florescimento do romantismo, a sociedade européia esperava por uma obra que demonstrasse todo o clima desse tempo, e que inovasse esteticamente, A roupa desenhada para a Sylphide é: branca, longa e transparente, dava um aspecto irreal à personagem. Foi também uma das maiores revoluções teatrais de nossa era, pois era uma roupa simbólica e que nem sequer parecia com as usadas no dia a dia. A maior novidade foi a construção do ballet inteiro usando sapatilhas de ponta. Essa inovação gerou inúmeras mudanças na dança clássica, inclusive a recolocação do homem nas coreografias.

Referências:

http://www.jorwiki.usp.br/jorwiki/gdmat09/index.php/Ballet_de_Repert%C3%B3rio:_uma_hist%C3%B3ria_por_meio_da_dan%C3%A7a

http://www.escolabolshoi.com.br/blog/?page_id=2

http://11arte.wordpress.com/2010/04/03/o-que-e-ballet-de-repertorio/

http://pt.wikipedia.org/wiki/Bal%C3%A9s_de_repert%C3%B3rio

http://www.corpoedanca.com.br/repertorios.htm

http://www.meryrosa.com.br/studio/index.php?option=com_content&view=article&id=52&Itemid=67&showall=1

Enquadramento de perspectiva

Para obter efeitos de profundidade de campo faça a fotografia de um mesmo objeto alterando somente a distância da câmera. Dessa forma você terá diferentes enquadramentos de perspectiva, isto é, terá grande ou pequena profundidade de campo. Veja o exemplo:

ATIVIDADE:

Coloque em prática o conhecimento adquirido: Realize quatro fotos demonstrando efeitos de profundidade

Fotografia digital

Com a facilidade da tecnologia digital, as pessoas ficaram cada vez mais desinibidas. Aprenderam a sorrir diante da câmera. O resultado instantâneo, agradou. Quando a fotografia não fica boa, é apagada e imediatamente outra é tirada. Outra vantagem é a fidelidade da cor, perfeição das imagens e a possibilidade de correção. Com o advento da Internet, as fotografias antes guardadas em armários, hoje são reproduzidas e partilhadas Certamente a tecnologia não vai parar. Ainda não se sabe qual será a novidade, o que se tem certeza é que, da forma como a tecnologia evolui, em pouco tempo pode se tornar obsoleta. Resta-nos esperar e ver.

Fotografia externa

            A fotografia externa tem ao fundo uma mata fechada, onde se  Nota sombras e troncos de árvores e em primeiro plano uma vegetação baixa, típica de beira de estrada. Mostra uma família de classe média, provavelmente do final dos anos sessenta, o carro de trabalho foi usado num passeio. O momento foi registrado sem formalidade. As pessoas estão descontraídas, não se preocupam com a pose e com as roupas. Talvez o mais importante, nesse momento, seja registrar a importância do carro estacionado. Observando as sombras projetadas, é possível afirmar que foi tirada bem de tardezinha, com o sol quase se pondo. A estação do ano denuncia uma temperatura mais alta pois as meninas estão vestindo roupas leves e usam calçados sem meias.

Papelão é diversão

Abstrato

Cenário

Chapeuzinho Vermelho

Boneco articulado

Porta-bijuteria

http://www.pinterest.com/tbordignon/escolar-ii/

Expressionismo

Kathe Kollwitz, 1925, Woodcut

A imagem que sê vê é de um casal e uma criança. Parece ser de uma xilogravura.

Trata-se de uma imagem escura. O ambiente fechado aparenta uma prisão, pois o foco maior de luz vem de uma janela que está situada atrás das personagens. Pela frente apenas alguns pontos do rosto são iluminados, o que descaracteriza as pessoas, dando-lhe feições quase desumanas.

            A cena deixa transparecer silêncio absoluto. Isto pode ser comprovado quando se observa a posição das mãos, abaixo do queixo, silenciando a boca e a garganta. O olhar de todos eles é interrogativo, observador e denuncia profundo sofrimento e horror.

            As personagens estão envelhecidas precocemente. A aparência é de que estão sendo vítimas de uma grande injustiça social, de que perderam todas as esperanças, visualizam cenas horripilantes  e aguardam a hora da morte.

            Apesar de sugerir tristeza, medo, angústia, nota-se que há união entre as pessoas. O homem e a mulher estão muito próximos, e a criança à frente. Isto também sugere que se tratar de uma família. Eles estão à espera de alimento, pois a criança, de olhos e cabelos claros, segura uma colher.

Esta faz lembrar as vítimas do nazismo.

Características do Fauvismo

O Fauvismo foi um movimento que aconteceu no início do século XX apenas na pintura, e durou poucos anos. Sua importância destaca-se pelo fato de ser o movimento precursor do Modernismo. Foi influenciado por Gauguin, Van Gogh e Seraut pelo uso das cores puras intensas, vibrantes, exageradas e fortes pinceladas.

As cores não tinham a preocupação de mostrar a imagem real, mas sim de expressar sentimentos. As pinceladas eram fortes, mas ao mesmo tempo demonstravam calma.

Os motivos fauvistas eram chapados, lineares, sem perspectivas clássica. Não apresentam profundidade. Tudo está na superfície. As formas fauvistas eram simplificadas, a pintura era alegre e dinâmica. Alguns pintores usavam grossas camadas de tinta e espátulas para pintar suas telas.

Os fauvistas também foram influenciados pela arte tribal não européia, como as máscaras africanas e artes dos Mares do Sul. Eles se inspiraram nas artes populares primitivas e defendiam a espontaneidade e a pureza, sem preocupação com questões intelectuais.

O Fauvismo foi um movimento na pintura que chocou o público e a crítica, provocou risos e iras pois os trabalhos artísticos, pois eram considerados chocantes e agressivos. 

Saint-Exupéry

“É apenas com o coração que se pode ver direito; o essencial é invisível aos olhos.”    -   (Saint-Exupéry)

Estilo Românico

Catedral de Santa Maria Assunta - Pisa - Itália

            O estilo artístico românico surgiu na Idade Média, com a queda do Império Romano em 476 d.C, momento em que os cristãos expandiam sua atividades, período de reformas nos mosteiros e de consolidação do poder espiritual e temporal. Terminou com a queda de Constantinopla em1453. O termo românico foi criado quando se buscava relacionar seu estilo com o a arte dos romanos antigos.

            Este movimento artístico recebeu grande influência do mosteiro de Cluny, na França, que ordenou um novo modo de vida monástica e uma nova concepção arquitetônica em pleno período de peregrinações religiosas que serviam para propagar essas mudanças. Foi um período crítico da História, quando o conhecimento era controlado pela Igreja. Educava-se na religião através do medo e da imposição, e pediam-se sacrifícios nesta vida para o cristão gozar de felicidade eterna, do contrário seria condenado ao inferno.

Igreja de Santa Maria de Ripoli - Itália

O estilo românico teve forte predomínio religioso sobre a mentalidade coletiva.  Usou a arte sacra com a finalidade de manter o poder e o controle religioso.  A pintura de cenas bíblicas tinham características expressionistas para realçar o medo do pecado e a perda da vida eterna com Deus, com intenção didática de ensinar os fiéis. Já que a maioria não sabia ler, essa linguagem visual era excelente para doutriná-los. As imagens religiosas dessa época apresentavam escalas diferentes para evidenciar a hierarquia. As esculturas, de formas alongadas, ocupavam as colunas, capitéis, portais e outras partes estratégicas dos templos. Havia muitas cenas do Juízo Final, temas do cotidiano e extraído de fábulas. As catedrais construídas neste período histórico se parecem com fortalezas, têm paredes muito grossas e aberturas muito pequenas, que associado ao ambiente escuro, pouca ventilação e iluminação dão um sentimento de sufocamento e sensação de inferioridade. 

Portanto, a arte sacra foi uma forma encontrada pela Igreja para manipular os fiéis e moldá-los conforme os princípios religiosos vigentes na Idade Média.

Modernismo

ESCOLAS LITERÁRIAS	MODERNISMO
PERÍODO	1922-1960
MARCO INICIAL	Semana de Arte Moderna
PANORAMA DA ÉPOCA	Emergência de novas potências (EUA e URSS) Tenentismo Revolução de 30 Getúlio Vargas no poder Industrialização
GÊNEROS	Prosa (urbana, regionalista e intimista) Poesia Teatro
CARACTERÍSTICAS	Incorporação da linguagem coloquial e dos neologismos Liberdade formal na poesia e na narrativa Tentativa de reinterpretação da cultura brasileira
SÍNTESE	Liberdade formal
REPRESENTANTES	Manuel Bandeira Mário de Andrade Oswald de Andrade Cassiano Ricardo Carlos Drumond de Andrade Vinícius de Moraes Graciliano Ramos José Lins do Rego Érico Veríssimo Jorge Amado Guimarães Rosa Clarice Lipector João Cabral de Melo Neto

A Vênus de Andy Warhol

A imagem que você vê  é a pintura The Birth of Vênus, realizada por Andy Warhol em 1984, originalmente pintada por Sandro Botticelli em 1482. Andy Warhol, artista americano, teve uma carreira marcada por muitos trabalhos artísticos premiados. Foi ilustrador e artista gráfico. A figura central da Pop Art, deve seu sucesso ao grande talento artístico, às cores fortes e brilhantes de sua pintura e às suas reproduções mecânicas com variações de cores, de artigos de consumo, de rostos de figuras popularmente conhecidas, A imagem, pintada no ano de 1984, encontra-se  no The Andy Warhol Museum de Pittsburgs, Estados Unidos. Mede 121,9 X 182,9 cm. Nela, o artista usou tinta acrílica e serigrafia sobre linho. O fundo da tela foi pintado na cor azul celeste. Não há variações de tons, é como se víssemos o espaço celeste num dia límpido. No centro da tela está a imagem da Vênus, apenas até o ombros, ocupando com seus cabelos esvoaçantes a metade direita vista pelo espectador. O pintor usou poucas cores, fora dos padrões. Sua tela foi pintada uniformente na cor rosa, exceto o lado esquerdo do espectador onde há sombras executadas com manchas amarelas e lilás. Para os cabelos, usou cores contrastantes: vermelho, amarelo e o preto que serviu para fazer sombras. Essas cores não se mesclam. O amarelo foi usado para iluminar e o rosto e os cabelos. Andy Warhol definiu os contornos com linhas amarelas e pretas. Esses contornos simplificam a imagem e lhe dá traços de desenho. Para amarrar o grosso feixe de cabelos que lhe cai sobre os ombro desnudos usou a cor verde. O olhar da Vênus direciona-se para baixo, tornando-a compenetrada.

A Vênus de Warhol tem os mesmos traços físicos da Vênus de Botticelli,  mas não mais é a representação de uma figura humana como na pintura original, ela é apenas uma estampa. A diferente marcante está na pintura com características Pop. Warhol tornou a Vênus de Botticelli numa imagem artificial, para ser usada em publicidade e em produtos de consumo, conforme os objetivos da Pop Art. 

Arte Pop

A Pop Art é um movimento artístico expressionista popular que surgiu na Inglaterra nos finais dos anos 50 e nos Estados Unidos no final da década de 60. Foi um movimento reacionário à arte abstrata, muito consumida pela elite.

Serviu aos valores dos países que precisaram reconstruir suas economias após a Segunda Guerra, e  cujo pensamento era consumir exageradamente para aquecer a economia. 

A Pop Art está a serviço da Indústria Cultural e da Cultura de Massa. A industria Cultural vê as coisas como descartáveis,  fabrica produtos baratos e em série. O ser humano também é visto como descartável. Os trabalhadores que fabricam não são valorizados à altura do que merecem. Também serve à Cultura de Massa que faz o uso de linguagem simples para atender pessoas com pouca cultura.

Uma linguagem própria foi desenvolvida pela A Pop Art. Passou a fazer uso de imagens da publicidade e dos meios de comunicação: logomarcas, produtos populares, artistas do cinema e da música. Dentre suas características, destacam-se: o uso de cores vivas, a modificação do objeto, a apresentação da mesma imagem em cores diferentes.

Com meios de comunicação cada vez mais aperfeiçoados, a vida das pessoas foi sendo continuamente afetada pela Arte Pop continua estimulando ao consumismo exagerado. Está em quase todos os lugares: revistas, jornais, cartazes, internet, propagandas espalhadas em panfletos, outdoors. ..

O desenho a seguir foi inspirado em uma propaganda para vender calçados, que usa a Internet de uma forma muito eficiente, pois faz a venda pelo site e após o pagamento do produto, chega agilmente ao consumidor.  Os modelos expostos no site são muito variados e adequam-se  às estações do ano e às tendências da moda e ao bolso do consumidor. O principal alvo é o público feminino. A marca do produto que está no desenho é uma alegoria à marca dos calçados vendidos pela Internet.

As figuras foram pintados em cores vivas como na Art Pop. Conforme os preceitos da indústria cultural e da cultura de massa. A cor é um dos fatores decisivos na venda de um produto. Incentiva o consumidor a sentir uma necessidade impulsionado pelas apelações do “compre agora, aproveite, frete grátis, compre com cartão, baixo custo” Ela pode despertar o desejo de compra e influenciar na decisão de adquirir o produto, mesmo o comprador não tendo muito poder aquisitivo. Ela também faz com que um produto se torne descartável até mesmo antes de ser consumido, se deixar de estar nas tendência da moda. Ou  faz com que o consumidor se sinta ultrapassado para acompanhar  a moda e o ritmo da vida moderna e decida pela compra novos produtos.

Pense no seu dia a dia,  no que o agrada na nossa cultura de massa, produza uma Pop Art.

Pré-Modernismo

ESCOLAS LITERÁRIAS	PRÉ-MODERNISMO
PERÍODO	1902-1921
MARCO INICIAL	Os sertões (Euclides da Cunha)
PANORAMA DA ÉPOCA	Apogeu da cafeicultura Política do café-com-leite Primeira Guerra Mundial Formação do operariado e classe média urbana
GÊNEROS	Prosa Poesia
CARACTERÍSTICAS	Nacionalismo crítico Romance de cunho social
SÍNTESE	Visão crítica da realidade brasileira
REPRESENTANTES	Euclides da Cunha Monteiro Lobato Lima Barreto Graça Aranha Augusto dos Anjos

Análise de fotografia

A fotografia evoluiu, descobriram-se novas técnicas, as máquinas fotográficas foram aperfeiçoadas, surgiram equipamentos auxiliares, livros específicos, publicações em revistas, cursos, faculdades. Atualmente há os amantes da fotografia, amadores, que gostam de registrar momentos para não perdê-los, pelo puro prazer de vê-los depois; e os profissionais, que estudam e aplicam seus conhecimentos teóricos, artistas que trabalham como repórteres das mais variadas categorias, ganham prêmios, trabalham para revistas, jornais, televisões, fazem campanhas publicitárias, verdadeiros laboratórios, são pessoas que procuram se manter atualizadas.

Com tudo isso, não basta comprar bons equipamentos para fazer boas fotografias, é preciso conhecer algumas regras e saber manuseá-los, saber tirar proveito da capacidade dos equipamentos que se tem em mãos. É necessário conhecimento. É preciso aprender a linguagem fotográfica: saber focalizar uma imagem, escolher o melhor ângulo, aprender como usar a luz, seja ela natural ou artificial. Além disso, também é importante desenvolver a sensibilidade no olhar para reconhecer uma boa cena, escolher um tema.

Uma boa imagem fala por si só, informa, sensibiliza, convence, vende, critica, emociona. Fotografar é registrar opinião, pois cada fotógrafo seleciona o que quer fotografar segundo sua concepção de mundo. A sua abordagem define o que expressa. Cabe ao fotógrafo adequar a fotografia à sua sensibilidade e criatividade.

Esta publicação não é um estudo aprofundado, apenas pretende mostrar, de modo superficial um pouco do que foi exposto.

As três fotografias escolhidas foram selecionadas de propagandas da revista Estilo, mês de setembro de 2012, Editora Abril. O tema que elas abordam é a moda feminina. Elas apresentam diferenças e semelhanças.

As semelhanças que se destacam são:

As três fotografias ocupam todo o espaço, o enquadramento de cada uma delas é o Plano Médio. A composição de cada uma está adequada ao tema a que elas se propõem, a publicidade. Há equilíbrio, os fotógrafos buscaram harmonia e conforto visual ao expectador. Não há movimento. A luz entra pelo lado direito e cria sombras.

            Esta é uma fotografia externa feita com a câmera posicionada um pouco abaixo do centro. A luz do ambiente penetra pelo lado direito, iluminando também o muro e aparentemente um corrimão de escada. O Rosto da modelo recebe essa luz de forma mais intensa. Algumas partes do seu rosto e do seu corpo são realçadas, outras ficam na penumbra. Em primeiro plano está a bolsa dourada que também é destacada pela luz. Posteriormente a figura da modelo. Como o primeiro e o segundo plano estão muito próximos do terceiro, a perspectiva quase não é notada, pode ser vista nos tijolos do muro, os que estão à direita do observador se apresentam maiores. A textura do muro, revelada pela luz é rústica. A cor escura das roupas, combinando com o ambiente sugere independência, vida noturna, poder. O foco está na bolsa situada na parte inferior do quadro, a cor dourada estimula o leitor da imagem que ela tem requinte e sabe escolher bons produtos que combinam com seu estilo de vida.

            Esta fotografia foi feita em estúdio. Em primeiro plano está a modelo. Ela recebe uma luz branda. Seu rosto não está muito destacado. O foco está na saia do vestido na parte inferior, ele é confortável, dá liberdade de movimentos e chama a atenção. O cruzar de pernas sugere feminilidade. A perspectiva pode ser notada no distanciamento da cadeira com a parede do fundo e nos braços da cadeira, na perna e braço da mulher. As cores estão em harmonia, combinando com o ambiente aconchegante, com a posição confortável da modelo, com seu gesto. A combinação desses elementos com a cor da fotografia passa um clima de ternura, romantismo, flerte e sofisticação.  

            Fotografia realizada em estúdio. O fundo azul não apresenta imagem de parede nem textura, passa uma sensação de infinito. A presença da modelo entre as linhas luminosas, horizontais e diagonais deixam a fotografia surreal, mas é o que faz o expectador imaginar uma perspectiva. A luz penetra no ambiente pelo lado direito. O rosto e o colo da modelo são iluminados, mas o foco é para a estampa da roupa, na parte inferior da fotografia. A posição dos braços, combinado com a fisionomia, com a cor de sua roupa, sugerem uma mulher indignada, silenciosa, observadora e solitária.

Impressionismo

O Impressionismo é um movimento artístico que surgiu em Paris (França), no século XIX, e criou uma nova visão da pintura utilizando pinceladas soltas dando ênfase na luz e no movimento. Geralmente, as telas eram pintadas ao ar livre para que o pintor pudesse capturar melhor as cores da luz e da natureza.

O Impressionismo surgiu em 1873. Os impressionistas estavam frustrados pela falta de vendas de suas obras, então formaram um sindicato e decidiram organizar uma exposição coletiva, sem júris, nem prêmios. A  exposição realizou-se em 1874 e recebeu muitas visitas. Os jornais divulgaram comentários favoráveis e também negativos. Os artistas que ali expuseram suas obras, foram tidos como radicais e acusados de ocultar suas próprias falhas.

CARACTERÍSTICAS

- A pintura deve mostrar as tonalidades reais dos objetos e refletir a luz do sol;

- A pintura deve ser instantânea, captada no momento;

- As figuras não devem ter contornos nítidos;

- As sombras devem ser luminosas e coloridas;

- As cores e tonalidades não devem ser obtidas pela mistura das tintas. Devem ser puras e   

  distribuídas no quadro em pequenas pinceladas.

ALGUNS PINTORES  IMPRESSIONISTAS

Edouard Monet (1832-1883)

Claude Monet (1840-1926)

Vicent Van Gogh  (1853-1890)  -

ATIVIDADE: 

1- Defina o impressionismo?

2- Como era a pintura impressionista?

3- Onde eram feitas as telas? 

4- Por que os impressionistas criaram um sindicato?

5- Quais as características do impressionismo?

6- Cite os principais pintores impressionistas.

EM EQUIPE, REPRODUZIR O DESENHO ACIMA  NUMA CARTOLINA E COLORIR COM LÁPIS CERA OU GUACHE CONFORME AS CARACTERÍSTICAS DO IMPRESSIONISMO.